"Los mejores videos a blanco y negro"

El hacer un conteo sobre cualquier tema es siempre relativo, en gusto se rompen géneros, así que antes de entrar en controversia les aclaro que este conteo obedece en mayor parte a mi gusto personal, aunque desde luego, estoy seguro que concordaremos en algunas de mis selecciones.

Sin ningún orden en particular, comenzemos con este listado de originales, elegantes, cómicos y hasta emotivos videos que cuentan con la particularidad de carecer de color.

Pd. No, no se molesten en buscar "Scream" de Michael Jackson, "Give It Away" de los Peppers o "In Bloom" de Nirvana, así que desde ahora pueden crucificarme o criticar mi pésimo gusto.


The Hives, "Main Offender" 
 Veni, Vici, Vicious (2000)

Después de un éxito arrasador con su "Hate To Say...", los suecos se aventuraron a re-lanzar este sencillo y vaya que les funciono. Sin más, unanse a esta loca espectacular aventura animada en las calles de la caótica "Punk Rock City"



Black Shampoo, "Sick Shit"
EP Homónimo (2010)

Siguiendo con la alocada y desenfrenada línea rockera, desde Viena, Austria, este trío me volo la cabeza desde que escuche por primera ves su propuesta. El video para "Sick Shit" es una obra independiente, que nos demuestra que no se necesita de mucho presupuesto para lograr un destacado trabajo, los dejo con este cocktail de hilarantes imágenes.



Social Distortion, "Gimme The Sweet And Lowdown"
Hard Times and Nursery Rimes, 2011

Unos clásicos a la vanguardia, asi bautizaría este increíble trabajo de animación a blanco y negro con el que la legendaria banda de punk-rock de California Social Distorion animó este sencillo. Como invitados tenemos a Joey Ramone, Joe Strummer, Sid Vicious, Hank Williams y Johnny Cash entre otros, asi que no hace falta decir más.



Arctic Monkeys, "My Propeller"
Humbug, 2009

Hipnótico y seductor resulta el tercer sencillo del tercer albúm del cuarteto de Sheffield. "Humbug" fue sin duda trascendete en la carrera de la banda, quién bajo la tutela de Josh Homme, torno su sonido de alocado y pegajoso, a oscuro y psicódelico. Para muestra, el mismo video que acompano su lanzamiento.

The White Stripes, "I Just Don´t Know What To Do With Myself"

Elephant, 2003

Si, era de esperarse, pero es que el video que acompano este cover presentado como segundo sencillo del disco que llevo al dúo de Detroit al estrellato. Dirigido por Sophia Copolla, en este famoso trabajo nos deleitamos con una sesión de sensual baile por cortesía de Kate Moss en su mejor epóca.

Kashmir, "Rocket Brothers"
Zitilites, 2003

De tres sencillo que se desprendieran del ttrabajo que les diera el reconocimiento mundial, destaca el himno fraternal "Rocket Brothers", canción que compusiera el vocalista Kasper Eistrup en honor a su hermano con quién se dice, siempre tuvo una relación dificíl. De bella estética, el clip para esta pieza sin duda se encuentra entre la colección de lo más selecto de los trabajos no solo a blanco y negro, sino también animados.



The Rolling Stones, "Love Is Strong"
Voodoo Lounge, 1994

Porque esta banda es grande, que tal este video donde literal sacuden la ciudad de Nueva York. En una de sus mejores epócas, el cuarteto se puso en manos del director David Fincher y lograron un espectacular trabajo donde los vemos, agigantados, recorrer la gran manzana. La calidad de la fotografía y los efectos especiales logrados en este corto, los hizo acreedores a una infinidad de reconocimientos.



U2, "One"
Achtung Baby, 1991

Después de una dura crisis, la banda irlandesa se refugio en Berlín, para crear su séptimo trabajo de estudio Aterrizados en una Alemania que comenzaba su proceso de reunificación, los músicos no fueron ajenos a lo que sucedía a su alrededor. "One" es el llamado a la unión y a la tolerancia, y asi lo reflejan en el precioso video con el que acompanaron el sencillo. Grabado parte en el estudio y parte en las calles de la capital teutona, la actuación y los simbolismos que contienen el trabajo, lo convierte en legendario.



Oasis, "The Importance Of Being Idle"
Don´t Believe The Truth, 2005

Cómico y elegante, este video es considerado el mejor que realizará la banda de Mánchester en su exitosa carrera. En el vemos a un disparatado personaje interpretado por el magistral actor Rhys Ifans, preparar y dirigir una carnavalesca marcha fúnebre, al tiempo que escuchamos de fondo el segundo sencillo oficial del disco. No se si sean mis figuraciones, pero el mencionado histrión, bien podría pasar por el tercer hermano Gallagher.

Johnny Cash, "25 Minutes To Go"
Sing The Ballads Of The True West 1965, Live At Folson Prison 1968

Johnny, la leyenda, "el hombre de negro", aporta también un corto. Original de Shel Silverstein, la letra de este tema es por demás particular; en él, se nos relata la minuto a minuto la agonía en prisión de un hombre condenado a muerte en la horca con un sentido del humor y un ingenio lingüistico muy particular. Cada verso consiste en dos líneas, en la primera se recita una frase y en la segunda se cuentan los minutos que le van quedando de vida. En el video vemos a un Cash animado, dar vida a cada una de las situaciones que se nos relatan.

Saicomanía, ¿Are you Saico-ed?.

A veces me sorprende ver las extrañas ansías del fanático musical de querer exaltar cual puño en mano en plena turba iracunda como si estuviéramos en pleno partido de futbol o reclamando alguna injusticia social; y ese es prácticamente el motivo; el mencionado fanatismo, por el cual se desencadena estas fatuas exaltaciones de tintes reformistas promulgadas, por un mero fanatismo, en lugar de resaltar el verdadero estudio o compresión e importancia de una banda y su legado, como si la historia del rock se fuese a reconstruir después de años de profundo estudio y de evolución. 

Todo esto desencadenado por el lanzamiento del disco recopilatorio de los singles de la adelantada banda peruana Los Saicos. Su redescubrimiento fue en España, lanzando una edición recopilatoria de sus singles sesenteros; afortunadamente respetaron el sonido pastoso y sucio al lanzar esta grabación, él de la ya a estas alturas clásica portada oscura del 2000 con unos Saicos en el escenario dando cierta sensación tétrica que se confirma al escuchar los primeros segundos del primer corte "Come On" (no como la fea portada de la reedición del 2006 que los muestra temerosos en un fondo blanco y cuyo sonido además fue manoseado por producción en pro de mejorar la calidad, ultrajando la atmósfera malicienta y mutilando vilmente el alma garage de su sonido).

De Los Saicos hasta este momento probablemente ya se haya dicho todo, que fue una banda imprescindible para el rock peruano; que logró desestancar a una serie de bandas cuya referencia ya no eran más a los Beatles o a otras bandas, sino que ahora imitaban a Los Saicos; que se adelantaron diez años a la postura del género punk; y que resulta increíble que recién casi cuarenta años después se esté empezando esta revaloración del material histórico del rock que no tuvo mayor suerte que quedar empolvándose en el sótano de los recuerdos; nunca lograron grabar un disco en su momento, únicamente se logró rescatar un número de singles que afortunadamente fueron recopilados y lanzados en un muy meritorio trabajo discográfico en España que lograría reivindicar el legado de la banda sesentera, pero a su vez levantaría polvareda al vender el trabajo de la banda como un adelantado del punk diez años antes en un país totalmente desconectado de la historia anglosajona del rock, algo totalmente inconcebible para cualquier conocedor que se jactase de haberse empapado y estudiado la historia del rock, así como para el amante punk que terminaría fascinado por este tamaño descubrimiento cual Hiran Bingham descubriendo Machu Picchu: la saicomania así resurgió. No son una banda de culto, en su momento gozaron de un tremendo éxito en Lima, y ya a estas alturas además cualquier conocedor o amante del rock los ha escuchado, pero su efímera existencia desde el 64 hasta el 66 desató todo un mito tras su redescubrimiento.

Se han generado tantas historias y mitos sobre la banda, de que fueron unos salvajes rebeldes anarquistas en su momento, que luego de la explosión se escondieron clandestinamente a grabar en un cine abandonado del distrito capitalino de La Victoria dando un numero de grabaciones ocultas que aseguran nunca pudieron ver la luz; o tal vez lo más irrisorio: que uno de sus miembros, Rolando Carpio, de ellos tuvo una celebración fúnebre en el Titicaca. Surgidos en pleno auge de la explosión del rock limeño, se formaron en el distrito de Lince, sus miembros son el bajista César Castrillón, Erwin Flores en la voz, Pancho Guevara en la batería y el fallecido guitarrista Rolando Carpio; la poca información y la falta de datos concretos que se registra sobre su existencia en esos años, además de las contradicciones en las que entrar sus propios miembros en sus últimas entrevistas (quienes ni si quiera logran ponerse de acuerdo sobre el origen del nombre de la banda) hacen difícil efectuar una concisa biografía, y resulta algo molesto y fastidioso hasta cierto punto ver cómo se desarrolla tanta parafernalia al enfocarse en su origen y su explosión sesentera mas que en su verdadera contribución y aporte.

Los Saicos acertaron en varios puntos, tal vez el más importante fue en dar la espalda totalmente a la tendencia de sus contemporáneos de 'imitar' a sus referencias por excelencia, los Beatles; y en su lugar se encapricharon en elaborar un sonido único y primitivo, en el que se filtra el garage, el surf, el rock psicótico, la psicodélia emergente menos pretenciosa, el freak rock , todo esto (probablemente ellos mismos ni cuenta se daban del estudio que estaban presentándonos) engendró una suerte de estilo proto-punk visceral revolucionario y sin precedentes en su momento en la escena limeña, lo más cercano que se puede nombrar es a los 13th Floor Elevators por su caprichoso enfoque alternativo de densidad y saturación atmosférica garage; la resonancia y energía garaje minimalista de unos Missunderstoods, los Sonics o los Seeds; su estilo melódico lúdico que tanto se inclina a un Zappa o a los Monks en Alemania; la factura vocal desprolija a lo The Godz o Beefheart; y una puesta en escena brusca y violenta cuya postura chulesca y desenfadada de su sonido global adelanta a unos Stooges o MC5 en la escena proto-punk de Detroit, pero lo sorprendente es que todo esto lo lograron mucho antes o a la par de sus mencionados contemporáneos, sin si quiera probablemente haber escuchado alguno de los trabajos de sus mencionados colegas del género; estamos en 1965 señores, la globalización en esos tiempos (por lo menos en el apartado musical) no era como ahora en la que fácilmente uno puede saber qué es lo que está pasando al otro lado del mundo en lo que corresponde la escena musical, alejados totalmente de la sofisticación de recursos de estudio de las mencionadas agrupaciones, Los Saicos lograron construir su propuesta musical sin evidentes puntos de referencia,

Otro de los ciertos fueron sus textos, a diferencia de muchos fueron una de las primeras que se atrevió a presentar textos en español, en esa época se puede recopilar los primeros trabajos influenciados por el merseybeat de los Beatles en los Shakers de Uruguay o los Gatos Salvajes en Argentina, pero su contenido lírico hacía clara referencia al estilo de los Beatles, los Saicos por otro lado escribían historias extrañas y morbosas, no les interesaba ahondar sobre relaciones amorosas ni profundizar sobre el enamoramiento o la desdicha amorosa, su propuesta era agresiva y explicita: la celebración de la muerte del gato mayor, demoliciones de estaciones de tren, desprolijas declaraciones de salvajismo, perturbadores lamentos afligidos del prisionero de Alcatraz, exploran conceptos totalmente alucinados para cualquier banda de mediados de los sesenta, basta con escuchar "Camisa de Fuerza", una canción única en su especie con disparatados textos sin precedentes que ninguna banda en español en su momento hubiera podido escribir; además de que, mientras que para la psicodelia anglosajona la fuente de inspiración fue el excesivo consumo de drogas y el ácido tanto para el apartado instrumental como para el apartado lírico, por estos lares los vicios eran otros, siendo el alcohol el brebaje recurrente de la juventud de mediados de los sesenta, quien sabe si habrán estado borrachos o no cuando compusieron esta canción, lo cierto es que es un excelente muestrario de eclecticismo lírico musical en español.

Erwin Flores destaca en el apartado vocal adelantándose al ensimismamiento de Johnny Rotten, su caprichoso estilo vocal, o carencia de este, acierta en la acentuación de la tensión y catarsis de su sonido, acerba, burda, chusca y antiestética, grita sin inhibiciones y lanza sus viscerales alaridos con tamaña intensidad que convence en la angustia histriónica de su oferta; todo esto envuelto en un fondo instrumental tétrico, lúgubre, casi se logra oler la fétida descomposición del gato muerto regado en el suelo alrededor de la celebración macumba, se puede sentir a la chusma palurda en plena agitación convulsiva política al escuchar "Demolición"; logrando epitomizar contundentemente el alma del garage-rock, crudo y desnudo.

¡Ah!, y finalmente cuatro puntos importantes: Los Saicos no son la primera banda punk de la historia; ni el punk nació en el Perú (fue un agitado movimiento musical y cultural de los setenta, no se creó con las canciones de los Saicos como “Demolición” pues como indica el mismo Cesar Castrilló: "Había mucha paz en esa época"); ni debemos reconstruir la historia del punk para que el centro de estudio sean Los Saicos y no los Ramones (quienes de hecho seguramente nunca en su vida escucharon a la banda peruana ni la tuvieron como referencia o influencia para su sonido, y lo más probable es que tampoco de ninguna banda punk de los setenta por motivos obvios como el idioma y la accesibilidad de su trabajo en el mercado anglosajón en esos tiempos), ni tampoco debemos efectuar insulsas comparaciones impulsadas por nacionalismos falsos que buscan pintarlos como más rudos o verdaderos punks en comparación con los Sex Pistols y otros (comparación que en lugar de enaltecer el rock nacional peruano, lo hunden en un agujero de frustrados y resentidos y en insulsas ansias de reforma); no caigamos en ridículas descontextualizaciones musicales impulsadas por puros fanatismos eventuales; el rock es un arte, no es un deporte, el rock no tiene hinchas o fanáticos, el rock tiene oyentes, almas sensibles que pueden apasionarse con la melodía pop de McCartney como con el hard rock de Black Sabbath, el rock no es una competencia como lo pretende lamentablemente presentar los tantos galardones que otorgan disque academias conocedoras de la música (¿Real Diccionario del punk?, ¿Academia del punk? ¿Qué es eso?), que pretenden buscar el mejor disco del año, o la mejor grabación, una aberración totalmente inaceptable que presenta a la música como un ejercicio rudimentario sin alma lejos de su verdadero valor.

 Si vamos a empezar con esta suerte de reforma musical de la historia del rock, entonces que no les sorprenda que en alguno de estos días se defina a Amon Düül II como proto-post.rock (tamaña contraproducencia) o se proclame de manera irrefutable al "Plastic Ono Band" como el primer disco EMO de todos los tiempos... ¿a ver qué opinaría el mismo John Lennon si estuviera vivo?.

Texto: Pol  (Stone.emo) 

http://stonemo.blogspot.de/

"Is This It" el inicio de una nueva era

Sin duda uno de mis discos favoritos y uno de mis tesoros más preciados.

Tal vez no podra llegar al nivel de ser considerado una obra de arte, pero es innegable el impacto que este trabajo de apenas 36 minutos tuvo en la escena rock mundial.

Ubicado entre los álbumes más influyentes de los últimos tiempos, "Is This It" fue la chispa que faltaba para hacer explotar un movimiento que hasta el 2001 se mantenia adormilado, "el indie".

The Strokes, considerados, incluso antes del lanzamiento de esta placa, la nueva sensación de la gran manzana, no pudieron evitar ser victimas de las siempre odiosas comparaciones. En su momento llegaron a ser considerados mesias y estandarte de una nueva generación, hoy la distancia, nos damos cuenta que simplemente hablamos, en el sentido más estricto, de una banda de rock y es ahí donde esta el mérito. Una banda de rock,  que tuvo las agallas de producir un disco tan simple como irresistible. Abajo con los grandes presupuestos para producciones espectaculares, "Is This It", a la manera tradicional del post-punk, luce por su sonoridad pura y la ausencia de efectos especiales. 

Además de la destacada participación de Nikolai F. y Fabrizio M. en la base ritmica, uno de los elementos que más destaca es la conexión y madurez que demuestran en su primera grabación, los ejecutantes de las guitarras:  Albert H. Jr y Nick V., quienes a base de contagiosos riffs y  estupendos arreglos, logran momentos electrizantes y rebosante armonia, creando en conjunto un sonido que ya es marca de la casa.

Si al encanto propio de la música; sumamos la atrayente voz de Julian C., vocalista que en contagiosas melodia y sencillas liricas, logra la identificación con el escucha a través de relatos acerca de las trivialidades de la vida en la gran ciudad, lo decepcionante de las relaciones fállidas y las ganas de romper la ley, hablamos de un trabajo redondo. 

Dejando atrás la pose, con una actitúd despreocupada y un tanto revoltosa, The Strokes no solo revolucionaron el sonido, tambien la moda. Jeans rotos y ajustados, camisetas, sacos y zapatos salidos de tiendas de segunda mano, se volvieron prendas que todo rockero que se apreciace de tener cierto sentido de la moda, adopto como parte de su vestir diario. 

Hablando de imagen no podemos omitir el arte del material. Considerada ya entre las mejores portadas de discos de todos los tiempos,la fotográfia que adorna la tapa fue captada por el fotógrafo Colin Lane, quién decidio armar una sesión improvisada, después de que su novia saliera desnuda de la ducha y se calzara el ya célebre guante de latex que fuerá olvidado por un estilista en el estudio, Por su alto contenido erótico y sugestivo, en algunos paises la imagen tuvo que ser sustituida. 

*Todos los videos son extractos del concierto que la banda ofreciera en febrero del 2002 para la cadena MTV en la ciudad de Los Angeles.

Para tirarse a la depresión: "Las canciones más tristes"

"Transtorno del estado de ánimo. Opresión o encogimiento."

Como gusten llamarle, los seres humanos somos en menor o mayor medida, trágicos y depresivos por naturaleza.

Cual sea la razón (en caso de haberla y sino, nos la inventamos), siempre tendremos un motivo para ponernos a escuchar alguna canción que nos duela y que paradojicamente, a la ves que nos hace sentir que la vida se nos va en un suspiro, tambien nos llena de placer y gozo (algo asi como cuando de infantes, nos torturabamos viendo "Remy").

Hay bandas y artistas que a lo largo de su carrera, han hecho de la tristeza y la melancólia parte fundamental de sus creaciones. Entre la discografia de Joy Division y The Smiths podriamos acabar tirandonos del primer puente que nos encontremos, un escalon más abajo encontramos a The Cure y Nine Inch Nails, y en el fondo de la miseria a los siempre afligidos Blue October.

Asi que si tu "peor es nada" te ha abandonado, te echaron del trabajo o del colegio, tus padres ya no te aguantan y hasta tus amigos te han volteado la espalda, has llegado al lugar indicado.

Chocolate, paquete de panuelos y fotos de aquellos dias felices en mano, preparate a sumirte (bajo tu propio riesgo) en el vacío de la desdicha.

The Music Basement no se hace responsable por los danos que esta desgarradora lista pueda causar al escucha.

"Still Brocken" - Blue October

Momento desolador: "And if you look in to my dark unhappy eyes,

                                  you´d see the tears that i´m choking"

"The Drugs Don´t Work" -  The Verve

Momento desolador: "Coz´ baby oooh, if heaven calls, i´m coming too,

                                  just like you said, you leve my life, i´m better off dead"

"Miss You Love" - Silverchair
Momento Desolador: "i love the way you love, but i hate the way,
                                   i´m supossed to love you back"



"Happy You´re Gone" - Placebo
Momento Desolador: "and i don´t even want to try, my my
                                  ´cause every word from you is a lie, my my"

"Come Back" -Pearl Jam (mención honórifica "Black" y "The Last Kiss")

Momento desolador: LA CANCIÓN COMPLETA



"Cold Desert" - Kings Of Leon
Momento desolador: "i´ve never ever, cryed when i was feeling down,
                                  i´ve always been scared of the sound,
                                  jesus don´t love, no one ever carried my load,
                                  i´m too young to feel this old"




"Cold Fame" - Band Of Skulls
Momento desolador: "no one´s want to hear that you´re breaking up,
                                  it wasn´t long ago we said "start me up",
                                  now all your dreams will have to wait,
                                  while you discern, you´re anticipate"




"Lovesong" - The Cure 
Momento desolador: "how ever far away, i will always love you,
                                  how ever long i stay, i will always love you,
                                  what ever words i say, i will always love you,
                                  i will always love you"


               

The Beatles - "Yer Blues"
Momento Desolador: "black cloud crossed my mind, blue mist round my soul,
                                   feel so suicidal, even hate my rock and roll,
                                   wanna die, yeah, wanna die"



"Dying Song" - John Frusciante (mención honórifica "Under The Bridge" de RHCP)
Momento desolador: "what i need is a heaven, 
                                  what i really need is a haven,
                                  a place to go where i can really be, 
                                  a place where i can really be"               

            

"Something In The Way" - Nirvana
Momento desolador: "something in the way, yeah, ummmmm
                                  something in the way, yeah, ummmmm"

*Se quedaron fuera del conteo final pero merecen mención:

"Indifference" - Ben Harper

"Hurt" - Johnny Cash (NIN cover)

"And All That Could Have Been" - NIN

"I Know It´s Over" - The Smiths

"Love Will Tear Us Apart" - Joy Division

"Manhattan Skyline" - Kings Of Convenience

"Wish you Were Here" - Pink Floyd

"No Expectations" - Rolling Stones

"Don´t Go Away" - Oasis

"Piece Of My Heart" - Janis Joplin

"So long, Marianne" - Leonard Cohen

"Creep" - Radiohead

"I Miss You" - Incubus
"NYC" - Interpol

La próxima semana, las canciones más tristes en castellano, se aceptan sugerencias.

Krautrock: El renacimiento de Alemania

En la decáda de las 60´s, una generación asfixiada intentaba rebasar la barrera que mantenía dividida a una nación y, mientrás el mundo se obsesionaba con la música y británica, un grupo de intelectuales y músicos inexpertos, búscaban su propia identidad.

""No había para un rockero opciones de tocar música, de desarrollarla o simplemente pensarla. No había herencia en nuestro pasado y los alemanes estabamos en un muy mal estado, nos sentiamos culpables y estupidos de iniciar dos guerras, sin embargo, ya no había nada más que perder, ya todo estaba perdido", son algunos de los recuerdos que comparten los protagonistas del fenómeno que abarco la decáda de 1968 a 1977.

En Alemania del oeste, la música pop que dominaba la radio y tv, no tenia nada que ver con la realidad que se vivia en las calles. Al igual que en Estados Unidos, Inglaterra y por supuesto, México, el mundo colapsaba en una revolución contra del sistema. de la cuál los jovenes germanos, enfermos y cansados no podian escapar.

De la misma manera enl que Hitler eligira Münich para comenzar su "guerra relámpago", los musicos asaltaron la capital bavara para revelarse y a buscar sujetos que compartieran sus ideales. No querian hacer música a la inglesa, tampoco a la americana,, menos a la alemana, entonces, el espacio era la única solución.

Krautrock (como lo bautizara la prensa británica); música creada de una forma libre y abstracta en una útopia sónica en un mundo diferente con un sonido diferente.

Con la cálidad insuperable de los documentales de la BBC, Krautrock: El Renacimiento de Alemania, retrata el movimiento que redefinio la identidad musical del país.

Una joya que afortundamente, gracias a la tecnologia, puedo compartirles aqui.

Indispensable para todo melómano, los dejo con la primera parte, que lo disfruten.

"El kraut y sus vertientes: Amon Düül II"

Seguramente para muchos les pueda resultar ajeno o algo enajenado el termino krautrock, siendo este un muy influyente género musical del cual se habrían inspirado y consecuentemente se habrían elaborado estupendos trabajo en base a su influencia: desde los inhóspitos pasajes progresivos de los setenta hasta los conceptos art-rock y experimentaciones electrónicas de Brian Eno y el Bowie berlines y el futuro genero electrónico, pasando por el rock gótico de texturas atmosféricas de Bauhaus que apunta a los inicios del krautrock, el auge del genero industrial de la mano de Throbbing Gristle, la densidad atmosférica y oscura de Sonic Youth en los trabajos de la segunda mitad de los 80, el post-punk de orientación electrónica de Depeche Mode, de alguna manera influenciaría al post-rock, la tendencia depresiva de unos Radiohead tanto en los noventa y más marcadamente en sus remedos electrónicos nada revolucionarios que se vinieron a partir del "Kid A", hasta el indie stonerosiano de Kasabian, todas estas bandas tendrían un punto en común de referencia si nos remontamos a los {últimos años de los 60, más precisamente al año 69, en una Alemania occidental con repercusión de la posguerra, alejada del comunismo de la Alemania de este, capitalista, con ansia de renovación y de incorporarse al resto del mundo consumista, influenciados en el rock americano, si bien el detonante a grandes magnitudes del krautrock fue Can, definitivamente Amon Düül II merecen una mención honrosa por engendrar el concepto de bizarro, extraño, sombrío, tétrico y, sobre todo, ecléctico.

¿Qué los diferencia de las otras bandas vanguardistas en terrenos del rock como los Velvets con Reed y Cale, Pink Floyd con Barret, o las ácidas exploraciones psicodélicas de la costa oeste? Probablemente la respuesta sólo se podrá entender una vez escuchado cualquiera de los tres primeros trabajos de esta extraña banda, o más bien comuna, de la cual si bien no destaca particularmente algún virtuoso en especial a lo largo de sus variantes conformaciones, supieron con acierto y personalidad plasmar su particular propuesta de texturas densas, pesadas, cargadas de alaridos, ruidos, hipnóticos solos y pasajes atmosféricos robustos de pastosidades malícienlas y demoniacas que parecen querer llevar el concepto de sensorial más allá de una explicita experiencia musical, sino que pretende crear una atmósfera sonora de terrenos lúgubres, extensos e interminables, en donde uno es arrojado sin remordimiento algunos y se ve envuelto en un sinnúmero de historias retorcidas y paisajes inconcebibles, se alejan del formulismo al evitar la estructura de la canción convencional, se alejan de sus contemporáneos al virar una propuesta menos art-rock y más sci-fi, buscan la oscuridad y el horror pero alejados de la oferta de sus contemporáneos zabbathianos, simplemente no busca hacer música....busca de manera directa crear texturas, conceptos, ya no se habla de una aventura ácida lisérgica a lo "The World Is On Fire Tonight" de los Strawberry Alarm Clock, ni de la tendencia progresiva del heavy-prog de "In-A-Gadda-Da-Vida" de Iron Butterfly, o la exploración art-rock de "Interestellar Overline" de unos alucinados Pink Floyd, ni tampoco claro de experimentación fallidas sin destino alguno a lo “Revolution 9” de Lennon-Ono...señores estamos hablando de un sonido tan bizarro e incomprensible que las palabras resultan simplemente exiguas.

El origen de la banda en si se remota a una formación revolucionaría, socio-política, juvenil, inconformista ante una realidad coyuntural carente de ilusiones y deprimida por los síntomas de la posguerra, se conformo en Munich una especie de agrupación que comenzó a sobrevivir como una suerte de comuna que fue ganando adeptos conforme expandían su ideología de nuevas exploraciones sensoriales, en las que aunaban en sus extensos jammings fogosas atmosferas instrumentales con percusiones tribales y apocalípticos arreglos corales y vocales, surgiendo como suerte de respuesta alemana a la explosión psicodelia anglosajona y a la búsqueda de un sonido propio que identifique al estilo musical de una Alemania que tenía algo que decir; un grupo de bohemios intelectuales con suficiente capacidad creativa para poder generar texturas musicales en sesiones interminables de jamming que irían forjando y entremañando el sonido de una reformada Alemania, esta comuna se nombro Amon Düül.

Pero sería tras la separación de Chris Karrer, uno de los principales miembros formadores de la comuna, quien daría vida a otra nueva agrupación rica en diversidad de recursos instrumentales a la que simplemente denomino Amon Düül II, que tomaría mayor dirección y enfoque en la evolución de su sonido en comparación de su predecesora, mientras registramos su discografía, llevando su sonido a terrenos oscuros, y saturados de estridencia y turbación sonora, nebulosas de enfoque sci-fi, penetrantes e incisivas pasajes que viran inesperadamente entre lo depresivo y lo ocultista, entre los mórbido y lo tétrico, llegando a burlar a tus sentidos y a llegar a poseer tu mente en un trance cuasi-posesivo en el cual basta con cerrar los ojos e imaginarse los más tenebrosos y desolados paisajes oníricos...o deberíamos decir de pesadillas recónditas.

Talvez lo más extraño es que aparentemente todo y todos parecen comulgar en una serie de orgía musical de manera armónica y cordial, si bien en primeras escuchas para el odio menos acostumbrado a este género suena algo extraño, al final esta alucinante experiencia termina fascinando por su capacidad de despertar emociones y penetrar el subconsciente de tal manera que termina uno involucrándose en estas tormentosas aventuras, nadie necesariamente opaca a nadie o se siente la dirección de alguien en particular (algo que si se aprecia en otras bandas dígase Pink Floyd), acá la concepción musical surge de manera orgánica de tal forma que realmente termina asombrando la dirección que termina tomando pieza tras pieza, siendo este uno de los más destacables aceritos de la banda.

De entre lo más recomendable de su discografía, de la cual resulta algo difícil analizar por la constante variación de sus miembros, hay que destacar definitivamente sus tres primeros trabajos: "Phallus Dei" es una inmensurable obra maestra del krautrock, recomendable para cualquiera que desee comenzar a conocer el trabajo de esta banda pues registra los mejores momentos de la formación nutrida por la rica diversidad de recursos instrumentales de sus miembros que nos otorgan y conjuran intensos y alucinantes pasajes, solos amenazantes, a perturbación y la posesión mental llegan a un punto de trance alucinógeno trascendental, sus arreglos crudos y primitivos, rústicos que se reviste con la sofisticación del estilo germano, es un delirante disco que nos permite constatar el basamento ecléctico y nihilista del krautrock en su rareza y en su personalidad caprichosa totalmente alejados de lo predecible y lo considerado 'normal' en esos tiempos.

Sigue "Yeti" un disco de opiniones divididas, nadie discute el estupendo contenido, pero si hay diferencia de opiniones sobre la contundencia del disco, más pretencioso, más organizado que su predecesor, pero a la vez más bizarro y al contrastar el folk de recursos musicales germanos con la estridencia característica de su sonido.

Escalofriante portada de: "Yeti".

"Tanz Der Lemminge", para muchos su obra cumbre al pulir con grandilocuencia su sonido krautrock enfocándolo en una orientación progresiva que resultaría fascinante y acertada para la fecha de salida del disco, destacando la asombrosa construcción "The Marilyn Monroe-Memorial-Church", uno de sus mejores cortes lleno de la oscuridad y rareza de la banda emblemática.

De ahí la formación daría un considerable giro básicamente por la variación de su conformación, alejándose de su basamento musical atmosférico-instrumental, y nutriéndose de los arreglos electrónicos característicos del krautrock de las bandas setenteras, además de adentrarse en un estilo musical menos ecléctico y más comercial, sus construcción si bien no carecen de encanto, no lograrían sorprender de la misma manera que sus tres primeros trabajos, hasta llegar a "Vive La Trance", disco de mayor construcción convencional pop que determinaría el fin de la experimentación y se adentrarían más en terrenos predecibles y convencionales.

Pero talvez la pregunta más recurrente sea ¿cómo fue que el krautrock de comenzar siendo un genero más marcadamente atmosférico e instrumental paso a consolidarse y cimentarse en la electrónica? o ¿cómo fue que de las densas texturas que confabulaban sus primeros hacedores terminó o derivó en un característico estilo motorik? probablemente ahí ya tendríamos que apuntar a otra bandas como Neu!, Tangerine Dream o Kratwreck, y es básicamente ese el motivo por el cual el termino krautrock termina siendo un género bastante ambiguo, el cual resulta difícil encasillar, simplemente basta con reconocerlos cuando uno lo escucha, y es que estos alemanes lograron un sonido y una personalidad única, de eso no hay dudas.

Texto: Stone.emo 





http://stonemo.blogspot.de/

Mis favoritas del 2012

Llegamos a mitad del 2012 y el tiempo se ha ido volando. Honestamente no ha sido fácil en estos ultimos meses combinar el blog con mis demás compromisos profesionales y familiares, sin embargo el escribir para ustedes es una tárea que disfruto mucho.

En las ultimas semanas, a la par que he comenzado a escribir para otro sitio acerca de mis experiencias musicales, he decidido empezar a elaborar también para TMB (asi me referire en adelante a este espacio) notas más personales (vaya, como si no fuera ya demasiado personal el postear sobre bandas que descubro (Radar: Unknown Sounds) o canciones que me encantan y quiero recordar (Shots From The Past).

En fin, sin más rodeos, a manera muy personal, aqui un recopilatorio de los sencillos lanzados que más me han gustado y que no he parado de escuchar en la primera parte de este vertiginoso anio.

Espero que disfruten de este selección y me compartan sus opiniones.

Saludos afectuosos melómanos.

Memo Ordonez.

Jack White
"Sixteen Saltines"
Blunderbuss




Metric
"Youth Without Youth"
Syntethica



Kopek
"Love Is Dead"
White Collar Lies



Neil Young And Crazy Horse
"Clementine"
Americana



Band Of Skulls
"Sweet Sour"
Sweet Sour



Silversun Pickups
"Bloody Mary (Nerve Endings)"
Neck Of The Woods



Maximo Park
"Hips And Lips"
The National Health

Romain Gavras: El profeta del caos

Lo hizo de nuevo. El cineasta francés Romain Gavras ahora colaboró con Kanye West, Jay-z y Frank Ocean en “No church in the wild”, pero, ¿quién es este señor y por qué sus admiradores esperamos ávidos que nos entregue otro furioso video clip?.

 Esta es una probadita de su trayectoria:

Romain Gavras es el co fundador del colectivo Kourtrajmé (en la jerga del cine francesa, significa corto), una productora de filmes que cuenta con la activa participación de actores como Vincent Cassel y Mathiew Cassovitz, entre otros. 

El año pasado estrenó “Notre Jour Vendra”, protagonizada por Cassel, además del famoso comercial de Adidas “All is in”.


En la escena musical, Gavras ha hecho muchos videos, todos con referencias a des émeutes (los riots o protestas violentas) y a los problemas sociales que azotan a Francia como la discriminación racial. Todos recordamos el vídeo de la caza de brujas de pelirrojos “Born Free” de M.I.A., que nos dio un escalofrío al ver a gingers con balazos en la cabeza y que se esfumó de Youtube en menos de 3 horas. Dos años después ambos volvieron a Youtube con “Bad Girls”.

         El más famoso de sus documentales es sin lugar a dudas, el estridente “A Cross the Universe”, trabajo que documenta la gira del dúo Justice alrededor de Estados Unidos, Drogas, luces, groupies y mucha, mucha música son los elementos que enagenan al espectador,llevandolo por un sordido mundo de decadencia. Siguiendo la mancuerna con el grupo, Romain dirigió en el 2008 el clip para el sencillo, “STRESS”.

      Para no hacerles el cuento largo, chequen su canal de “Vimeo” y descubran el talento y la fotografía extraordinaria de este señor.

Texto: Adriana Cortés

Tocando las puertas del cielo, de la mano de Bob Dylan.

Creo que comencé a escuchar a Bob Dylan hace unos seis años, no lo recuerdo muy bien, sólo sé que cada cierto tiempo me entra una obsesión con él que me hace escuchar los bootlegs como si no existiera otra cosa en el mundo. Estos son los discos que más escucho porque son en los que percibo más agudamente el sentimiento con el que interpreta sus canciones. En algunas es tan irónico, en otras se le nota molesto como en “I Don’t Believe You”; cuando de corazones rotos se trata, puede ser tan melancólico como sarcástico, como en “Just Like A Woman” y “She’s Your Lover Now”, y creo que eso hace que, sea cual sea la situación emocional en la que me encuentro, siempre piense en una canción de Dylan que me hará sentir mejor, ya sea porque la adoleció y me duele con él o porque la superó y me da esperanza.

Además, no sé si a ti te pase también pero a veces sólo quiero escuchar una guitarrita acústica y la armónica, tranquilo el asunto como en “A Hard rain’s A Gonna Fall” y otros días prefiero guitarra eléctrica y más escándalo como “Just Like Tom Thumb’s Blues” en el bootleg 4. Dylan tiene las dos facetas, para el humor con el que andes.

Las canciones de Dylan no sólo se adecúan a mi situación emocional actual, lo he escuchado tanto y tan seguido que hay canciones que me llevan de vuelta a pedazos muy específicos de mi vida, buenos y malos. Realmente tengo una conexión con sus canciones que no tengo con ningún otro músico. Hay otras bandas que me gustan, claro, y me gustan mucho pero sus letras nunca serán tan emotivas para mí como las de Dylan.

Después de que comencé a escuchar a Dylan, he visto algunos documentales sobre él y he leído también un poco, como comenzó con un estilo muy folk, con sus canciones de protesta en los sesentas, describiendo y criticando la situación política de estados unidos en sus canciones y después como cambió su guitarra acústica por una eléctrica y lo criticado que fue por eso. Lo he visto en entrevistas, contestando siempre irónica o evasivamente pero la verdad es que, por lo menos conscientemente, no siento que nada de esto haya cambiado la imagen que tengo de él. Si los demás lo quieren o no, lo admiran o no, les cae bien o mal, para mi Dylan son sus letras, su música y cómo me hacen sentir a mí y el hecho es que me hacen sentir muy bien.

Julia Iturbe.

Celebrando dos decádas de Britpop

El pasado 2011 se celebró con bombo y platillo el estallido de un movimiento que desde el norte de los Estados Unidos cambiaría la historia de la música, el grunge, sin embargo, como siempre ha sido en la competencia musical entre el imperio americano y el de la corona inglesa, la respuesta de los británicos no se hizo esperar.

Del otro lado del atlántico, una nueva era comenzaba, las melodías pop retomaban su lugar en los charts y bajo el slogan "Yankes, vayan a casa!", bandas como Blur y Suede empujaban fuerte y establecian su decreto. Desde luego el fenómeno no se centro solo en la música, a la par; el cine, la moda e incluso la politica se adaptarian a un nuevo estilo de vida, a la celebración de la "cool Britannia".

De igual manera que pasara con otros géneros, en el Britpop no faltaron los personajes emblématicosy encargados de redefinir una ves más el concepto de "estrella de rock", como un Jarvis Cooker llevando sus adicciones al extremo, un Damon Albarn retador, Richard Ashcroft con un boca tan grande como su ego, el padrino del "moob" Paul Weller y los reyes de reyes, los hermanos Gallagher, quiénes jamás olvidarán el momento en que tocaron la cima en durante su presentación antes 250,000 personas en Knebworth.

En una epóca en que no importase lo que tocarás, eras "cool" y .... Britpop, las grandes casas discógraficas no quisieron dejar pasar banda sin firmar (y explotar), lo cuál contribuiria a la perdida de la identidad del género y su estruendoso declive.

Celebremos con mi top de canciones, un género que marco sin duda la historia de millones de personas y que este 2012 con el regreso de Pulp, Suede y Blur nos hace vivir la nostalgia de aquellos dias llenos en que todos sonabamos con "vivir para siempre".

"Hay de guitarristas a GUITARRISTAS".

Comenzaré esta nota aclarando dos puntos:

Desde hace tiempo he tenido la idea de comenzar a compartir con ustedes, de la manera que lo hemos venido haciendo con las resenas de Pol (Stone.emo), notas y artículos sobresalientes y de gran interes para todos aquellos que amamos la música, ya que, considero que no muchos consultamos las mismas fuentes y muchas veces nos perdemos de material de gran valor.

Hasta ahí el punto uno, el número dos es que hoy mientras observaba e intentaba seguir atónito y un tanto confundido el video de dos músicos maestros del "shred" (llamese a la manera virtuosa y desenfrenada en que un guitarrista machaca su instrumento a una velocidad más rápida que la vista), me di cuenta de que... pasa el tiempo y si de joven, como músico, eso nunca me atrajo ni me impresiono, ahora menos.

Lo cuál me llevo a recordar algo que leí alguna ves en un blog y que aquí les reproduzco de manera integra.

Prometo ponerme a trabajar en una lista donde yo comparta mi propia lista de guitarristas, mientras tanto, que les sea amena y altamente contructiva esta lectura.

Nota: The Music Basement no comparte (todas) las opiniones del autor del texto y tampoco apoya ninguna campana política. Ningún ser vivo fue torturado o lastimado durante la redacción de esta nota.

"Hay de guitarristas a GUITARRISTAS" por Lane Coutell

Cuando era niño, siempre desee ser caricaturista. Mi meta en la vida era trabajar en animación y siempre creí que terminaría estudiando algo afín. No lo hice…a veces las fantasías infantiles son tan inocentes que cuando uno crece, se ven muy lejanas y se tornan bochornosas, sin embargo, conozco a muchas personas que de jóvenes querían ser guitarristas. Era más sencillo impresionarse con algún músico que salía en la televisión que con un desconocido, que se dedicaba a hacer simples dibujos. Recuerdo que todos respetaban a Slash. ¿Que lo hacía tan atrayente? Nunca lo entendí, nunca me gustó Guns & Roses, nunca fui fan de Metallica y nunca escuché a Pantera. En la secundaria, el bully en turno, me molestaba por escuchar a Björk; la música para hombres era la de los Stone Temple Pilots, Alice in Chains, Primus, Rage Against the Machine, etc.

Cuando crecí un poco, me interesó tomar una guitarra, simplemente por que quería tocar una canción: Ana’s song de Silverchair. Yo nunca intenté dominar solos infinitos ni crear riffs pesados, tampoco quería cantar frente a todo el salón de clases No Rain de Blind Melon, What’s Going on de 4 Non Blondes o Save Tonight de Eagle Eye Cherry, solo amaba tanto una canción, que deseaba hacerla mía y de nadie más. Ahí empezó mi compleja relación con el instrumento.

Siempre asumí que no era bueno, por lo que ni siquiera me molesté en intentar sonar como Jimmy Page y mientras pasaban los años, empecé a cuestionarme si fallaba meramente por predisposición y no por capacidad. Mucho tiempo me pregunté que hace ser grande a un guitarrista. Al final no hay respuestas objetivas.

Vivo muy cerca de Fermatta y conozco a gente que estudia o estudió ahí. No quiero generalizar, pues cada persona es un universo distinto pero parece que el currículo de esa institución, está basado en la persecución de ambiciones fálicas por medio de herramientas, que por casualidad o no, sirven para crear música y la actitud de individuos relacionados con ese medio académico, es muy parecida: intentar impresionar por sus ilimitados recursos técnicos pero que de algún modo son carentes de imaginación pues son apartados de ella, en dicho proceso. Dominar un instrumento, no se trata de tocar cientos de notas a una velocidad infrahumana, eso solo es indicador, de que tal vez se goce de una masturbación un poco más satisfactoria que el promedio de las personas pero en realidad ¿yo que puedo saber sobre el placer ajeno?

Mientras pasaban los años, más aborrecía a Satriani, Petrucci y de paso a sus seguidores. Desarrollé un gusto por aquellos guitarristas que en base a sutilezas, creaban un estilo propio, aquellos que dentro de un instrumento tan predecible, podían crear nuevas maneras de interpretarlo. El ser guitarrista para mi, significa romper esquemas.

El Top 10 de guitarristas.

Evidentemente mi selección de los mejores guitarristas de la historia, se adecua a mi muy particular forma de concebir al arte y entiendo que existan precursores, que ni siquiera tengo que nombrar pues su trabajo es de antemano reconocido, por lo que me limitaré a hablar de quienes para mí, reúnen ciertas características dignas de respeto.

Graham Coxon – Blur

Mi héroe personal, reservado y sutil. Agresivo donde debe de serlo y puntual en sus ingeniosos arreglos. Desde sus primeras grabaciones se puede apreciar su distintiva genialidad. Sin el Blur solo es una banda buena, no sublime. Congruente con su sonido desde un inicio y consistente en su ejecución en vivo, para mi Graham representa todo lo que un buen guitarrista debe de ser.

Johnny Marr – The Smiths

Puede tocar 3 simples acordes pero los arregla de tal manera que suenan únicos, su sonido metalico y directo es demasiado complejo para ser emulado por cualquiera. La mayor parte de su trabajo es bastante imaginativa, cosa que admiro en un guitarrista. Ni siquiera importa que haya tocado en los fastidiosos The Cribs. El mejor complemento para la voz de Morrissey…y eso es difícil de encontrar.

John Squire – The Stone Roses

Contemporáneo de Johnny Marr, el punto más atractivo en su participación con los Stone Roses, era la manera que tenía para arpegiar y llenar ciertos espacios: limpio, definido, cristalino, sin error. También posee la capacidad de impregnar una canción con mucha fuerza y emoción y nunca contraponerse a la delicadeza que puede desplegar sin dificultad.

Jonny Greenwood – Radiohead

En sus inicios era bastante agresivo pero aprendió a mediar su fuerza y se redefinió recomo un innovador. Influido por jazz y música electrónica, su entendimiento del instrumento es ajeno a cualquier convencionalismo o cliché pasado. La atención al detalle y su manejo de cualquier efecto que pueda aderezar a la guitarra es impecable.

John McGeoch – Magazine, Siouxie & The Banshees

El ídolo desconocido, la figura carente de reconocimiento masivo pero cuyo sonido influyó a más de una escena. Propositivo y directo, obvió que tocaba música punk y logró darle un matiz más serio, menos cavernícola o rudimentario, sin perder dirección ni fuerza.

Robert Quine – Richard Hell & The Voidoids

Solo una palabra puede definir su sonido: abrasivo. Era único y demasiado fino para el punk, el brillo de su guitarra desentonaba sublimemente con la voz de Richard Hell y rellenaba un espacio tan complejo que solo alguien con un nivel de creatividad altísimo lo haría, tan desenfrenadamente.

Thurston Moore/Lee Ranaldo – Sonic Youth

No puedo separar a esta dupla de artistas pues siempre he visto a su trabajo como complementario. No se quien sea técnicamente mejor, ni a quien se le ocurran la particularidades sonoras que separan a Sonic Youth de otras bandas. Solo se que escuchar ambas guitarras entretejerse es hipnótico. El ruido nunca tuvo una concepción tan hermosa.

Jeff Buckley

Mejor conocido por su amplio rango vocal que por sus aptitudes en la guitarra, este genio y muerto prematuro, poseía la capacidad suficiente para generar sorpresa al momento de tocar. Su ingenio musical solo era avasallado por su emoción, tan real y pura como ya no se ha visto en mucho tiempo.

Sterling Morrison – Velvet Underground

La compañía perfecta para Lou Reed y su sonido trasgresor. Poder aterrizar ideas musicales que ocultaban las fantasías lunáticas de un genio no era tarea fácil y Sterling lo hace sin una falla. Por momentos, explosivo y a veces delicado y reflexivo, sus aportaciones eran justas y suficientes, nada sobraba.

Kevin Shields – My Bloody Valentine

Cuando parecía que ya nadie podría reinventar el acercamiento a la guitarra, llega este innovador con ideas pertenecientes a otro nivel de creatividad humana. Su técnica es tan simple pero a la vez tan compleja que por más que se ha intentado emular, pocos conocen la manera más certera de llegar a esa nube amorfa de pura distorsión y atmósfera".

Fuente: Light & Noise